2024.08.08
今日唱片
ISLANDU2 – WAR 日3500元JVC刻字首版
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这是U2第一张在英国登顶的专辑。这是由Steve Lillywhite制作的。继Boy的青春主题和October 的精神主题之后，U2在这张专辑中加入了更多的Politic主题，他们讨论的主题包括核弹、爱尔兰的“麻烦”和波兰团结Labor Union 运动。
从音质上来说，这是U2迄成立为止最激进的专辑，Larry的军鼓和Edge的肌肉吉他令人印象深刻，这是他们对Duran Duran和ABC等乐队的新浪潮合成器运动的本能反应，想要创作一张完整的摇滚专辑。
这张专辑另外一个意义就是让60年代嬉皮士的后代慢慢不再只听六七十年代的摇滚乐。相对于其他八十年代的音乐，有种情感上的紧迫感和真诚感，这是那些很快就会被视为过时乐队所没有的。这是60年代末70年代初出生一代进入“新音乐”的入门专辑。是他们乐迷生涯中最深刻的转折之一，因为它出现在很多青少年还是非常沮丧和愤怒的时候，与其产生了共鸣。从这张专辑开始，U2后续的几张专辑在相当程度上抚慰了嬉皮士的后代，让他们在看似不那么仁慈和体贴的八十年代浮夸流行乐中煽动起了内心的火焰。这可以解释为什么U2拥有现在的历史地位。
《War》（1983）这是一张难以忘怀的U2专辑，他们长大了，这里不再是少年的青春期世界，而是由少年迈向青年的一个转变，他们开始谈论他们眼里的世界,北爱犹如一颗埋下仇恨的种子，里面有宗教、历史所遗留的矛盾和仇杀，在‘Sunday bloodysunday’、‘New Year's day’‘Second’里都可感受到U2对战争所带来的血腥和杀戮的反对和愤怒，他们第一次用歌声唱出了一个他们眼里的世界。
这张专辑在滚石杂志选出的500张历代最强专辑中排名第221位。（网摘，感谢原作者）
2024.08.09
今日唱片
上榜名盘 珍妮弗华恩丝-蓝雨衣 /Jennifer Warnes 20周年纪念版
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曲目：
01 First We Take Manhattan 让我们先拿下曼哈顿
02 Bird On A Wire 电线上的鸟儿
03 Famous Blue Raincoat 著名的蓝雨衣
04 (With Guest Vocal By Leonard Cohen)Joan Of Arc 圣女贞德
05 Ain't No Cure For Love 爱没有解药
06 Coming Back To You 回到你身边
07 Song Of Bernadette 圣女之歌（伯纳戴特之歌）
08 A Singer Must Die 只能死去的歌手
09 Came So Far For Beauty 为了美我不懈追寻
《珍妮弗·华恩丝：著名的蓝雨衣》是一张脍炙人口的经典不朽名作，是一张向伦纳德·科恩致敬的作品，专辑中动用了大编制的乐队把歌曲中含蓄的情绪用曲势烘托出来，使其蕴涵了丰富的文学性及音乐性。《蓝雨衣》的成功，一半得归于天籁女声、曾获得了奥斯卡最佳歌曲奖的珍妮弗·华恩丝的倾情演绎。另一半得归功于并不多产，但格调不俗，底蕴深厚，尽属精品的加拿大艺术家、诗人歌手伦纳德·科恩。
“她的嗓音就像加州的天气，充满了阳光，但背后却又隐藏着这地震般强大的能量”。这是伦纳德·科恩给珍妮弗·华恩丝最与众不同的赞美，同时也十分真切地道出了多才多艺的珍妮弗·华恩丝之所以被美国乐坛公认为最伟大的女性艺人的原因所在。专辑中珍妮弗·华恩丝天籁般的声音和伦纳德.科恩的阴郁诗人气质结合得天衣无缝，宛转低回，绕梁三日。珍妮弗·华恩丝的具有穿透杀伤力的嗓音如同拆开一封微微泛黄的信，缓缓地讲述着一段往事，纽约的十二月，曼哈顿喧闹的大街，苏格兰开阔的大草原，远走他乡的朋友……直接撼动你的心扉。典雅、清灵、与一种流动的感觉贯穿始终。
美国著名音响权威杂志TAS发烧天书评为最佳录音作品，HIF族人手一张誉为女声碟皇。被美国流行乐坛公认为最伟大的女性艺人。
人声与器乐的完美之境，典雅、轻灵，流动着的感觉会将记忆带向无限远……
全球最好听的女声、奥斯卡最佳歌曲奖获得者——珍妮弗·华恩丝与加拿大著名诗人歌手伦纳德·科恩精心镕铸的世纪发烧天籁精品。
美国著名音响权威杂志TAS发烧天书浒曲最佳录音奖，融合流行、民谣、乡村、蓝调、爵士特质的脍炙人口的经典之作。（网摘，感谢原作者）
2024.08.10
今日唱片
JAZZ名盘 穆里根遇见蒙克 Mulligan Meets Monk JVC XRCD
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Limited Edition Japanese pressing of this album comes housed in a miniature LP sleeve. 2006.
曲目:
'Round Midnight
Rhythm-A-Ning
Sweet and Lovely
Decidedly
Decidedly [*]
Straight, No Chaser [*]
Straight, No Chaser [*]
I Mean You
I Mean You [*]
2024.08.11
今日唱片
DG 柴可夫斯基&门德尔松-小提琴协奏曲 米尔斯坦 西德银圈PDO01首版
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张由米尔斯坦小提琴独奏，阿巴多指挥维也纳爱乐乐团灌录于1972至1973年间的柴可夫斯基&门德尔松《小提琴协奏曲》LP版本自发行以来就一直深受赞誉，当它转换为“画廊”系列，魅力同样无极限，甚至使得其他同版本录音都显逊色。
米尔斯坦对柴可夫斯基作品的演绎可说是一种富有说服力和代表性的典范，特别是对柴可夫斯基《D大调小提琴协奏曲》，公认为是最具正宗俄罗斯味道的演绎。
米尔斯坦的琴声宽厚、音色温暖，既不会像海菲茨那样追求华丽的技巧，也不似大卫·奥伊斯特拉赫那样表现浪漫的色彩，而是以一种非常平和的心态来展示出自己对柴可夫斯基音乐所独特的理解。
虽然与前两者相比，米尔斯坦的演奏可能稍显平淡，但这种诠释现在听来却更加接近柴可夫斯基生活时代的音乐特征，也更加深层地表现出柴可夫斯基音乐中特有的淡雅忧郁气质，这是介于理性和感性之间的演奏方式，使得他的音乐充满力量，没有矫柔造作，更没有无病呻吟，出自大师之手的细腻色彩与光影变化终将令听者叹服。
另一首门德尔松《e小调小提琴协奏曲》，米尔斯坦和阿巴多的演绎获《企鹅唱片指南》三星带花评鉴。当中，米尔斯坦的演奏风格融合了俄罗斯小提琴学派的优点：速度节奏规整，跳弓技术轻巧自然。他巧妙地将技巧揉入音乐之中，自然地流泻而出。
其次可以从中听到大量的滑音，韵味十足，使整体风格较为圆润，但就今天的角度来看，滑音的使用似乎多了一些。再次从整体而言，米尔斯坦的演奏在乐段细节处理上较为细腻，比如第一乐章华彩段十六分音符处，那段旋律的速度随着音高的上升而渐快，也显得演奏此处游刃有余。
柴可夫斯基本来计划题献给小提琴家莱奥波德·奥尔的《D大调小提琴协奏曲》被这位大师以“无法演奏”为由拒演。好不容易找到了愿意演奏的小提琴家却首演惨败，更遭到一众乐评家的批评与责难。
时至今日，此曲已是公认的世界四大小提琴协奏曲之一，乐曲充分发挥出主奏小提琴绚烂的近代演奏技巧，展开色彩斑斓的管弦乐，造就出比以往的小提琴协奏曲更丰富多姿的韵味。
尽管两位作曲家在音乐个性上存在明显差异，但门德尔松和柴可夫斯基的小提琴协奏曲之间却有着意想不到的亲近性。两部作品均展现了作曲家最为清新自然的抒情才华，既没有门德尔松偶尔显现的多愁善感，也没有柴可夫斯基晚期交响曲那歇斯底里的痛苦。
在形式上，两部作品也有共同的特点：柴可夫斯基采用了门德尔松的创新，在重奏之前而不是在接近结束时放置第一乐章的华彩乐段，并且，与门德尔松一样，设计了一种诗意的调式连接，从第一乐章的调式过渡到行板。
米尔斯坦惊人的演奏技巧为柴可夫斯基和门德尔松小提琴协奏曲插上能够自由翱翔的翅膀，它们不仅拥有巨大的坚定性和亮度，而且还以其非凡的纯净度吸引着人们。
正是这一点使米尔斯坦对这些伟大古典协奏曲的诠释令人着迷，并赋予它们具有传奇色彩的高贵气质，让人认为只有这样拉奏才是正确的，因此备受推崇。
阿巴多以尊重原谱、强调阐述原作精神的严谨指挥方式闻名于世，搭配米尔斯坦典雅的琴音，细腻与质朴兼具的温暖音色、层次分明的音场表现，使得这张唱片成为经典。(转载来源: 新音响）
2024.08.12
今日唱片
经典原声 RCA镭射 THE SOUND OF MUSIC 音乐之声 美JVC长城标首版
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《音乐之声》是根据自传《特莱普家族的歌手》改编的音乐剧，1959年在美国纽约首演，并在1960年获得第十四届托尼奖最佳音乐剧、女主角、女配角等五项奖，这是音乐剧大师理查德罗杰斯（曲）和奥斯卡汉莫斯坦（词）的最后一次合作的作品。1965年，她被美国20世纪福克斯公司改编成电影。推出时曾造成了万人空巷的鼎盛卖座场面，并一举获得第38届奥斯卡金像奖最佳影片、最佳导演、最佳改编音乐剧、最佳剪辑、最佳音响五项大奖。在好莱坞影坛的历史长河中写下了光辉夺目的一页。而由音乐剧大师罗杰斯和汉莫斯坦制作的音乐之声电影原声带，更是驻留在排行榜上长达233周之久。剧中的歌曲，如热情真挚的《音乐之声》，轻松诙谐的《孤独的牧羊人》，深情无限的《雪绒花》，欢乐有趣的《Do-Re-Mi》，以及可爱的孩子们在比赛和客厅里演唱的《晚安，再见》等等，都曾深深打动着世界各地的人们，并被广为传唱。
1979年，该剧获得劳伦斯.米格纳奖。
（网摘，感谢原作者）
2024.08.13
今日唱片
稀绝珍藏 CBS Bob Dylan – Biograph /鲍勃·迪伦 3CD 日细字首版
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鲍勃·迪伦（Bob Dylan），原名罗伯特·艾伦·齐默曼（Robert Allen Zimmerman），1941年5月24日出生于美国明尼苏达州，是一位美国唱作人、艺术家和作家。
鲍勃·迪伦在高中的时候参加了摇滚乐队。大学期间他开始使用艺名鲍勃·迪伦， 并慢慢摸索建立起属于自己的演唱风格。 1961年，鲍勃·迪伦从明尼苏达大学辍学，开始专心致力于歌唱工作。1962年，鲍勃·迪伦加盟哥伦比亚唱片公司并发行首张个人专辑《鲍勃·迪伦》，拿到了当年格莱美最佳民谣录音奖的提名。1963年5月，出版新专辑《随心所欲的鲍勃·迪伦》，这大大提升了他的知名度。 1965年，鲍勃·迪伦又发行唱片《londe on Blonde》（无数金发女郎），这标志着鲍勃·迪伦音乐事业高峰的来临，也标志着鲍勃·迪伦成为民谣复兴运动的领袖。 同年，鲍勃·迪伦宣告民谣生涯结束，正式走进摇滚乐坛。 1971年，鲍勃·迪伦出版了一本片面的、超现实主义的小说《塔兰图拉》。1973年，鲍勃·迪伦参演山姆.佩金帕的影片《帕特·加勒特和比利小子》。 1979年，依靠单曲《Gotta Serve Somebody》获得了最佳摇滚男歌手奖，这是他首次以个人名义获奖。 ]1988年他入选了美国摇滚名人堂。
2013年，美国艺术文学院宣布鲍勃·迪伦为其荣誉成员，表彰他为美国文学和音乐所作的贡献，成为首位入选美国艺术文学院的摇滚音乐家。 2016年，鲍勃·迪伦获得诺贝尔文学奖。 2022年5月10日，世界上第一家鲍勃·迪伦博物馆—鲍勃·迪伦中心（Bob Dylan Cente）在美国俄克拉荷马州小城塔尔萨市开放。（网摘，感谢原作者）
2024.08.14
今日唱片
SONY 勃拉姆斯-大提琴奏鸣曲全集/马友友 YO YO MA/AX 日2800元首版
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马友友，1955年10月7日出生于法国巴黎，祖籍中国浙江省鄞县（今宁波市鄞州区），曾就读于茱莉亚音乐学院，后毕业于哈佛大学，美国籍华裔大提琴演奏者。
1959年，由父亲启蒙学习大提琴，并和家人迁居纽约。1962年，参加为筹建华盛顿文化中心举行的巡回义演音乐会，美国总统肯尼迪夫妇出席晚会。1971年，16岁的马友友在纽约卡内基音乐厅举行独奏音乐会。1976年，从哈佛大学毕业，取得人类学学位。1985年，首次获得格莱美奖最佳乐器独奏奖（无交响乐团）。1991年，获颁哈佛大学荣誉博士学位 。1993年，获颁香港中文大学荣誉文学博士学位]。1998年，《马友友的巴赫灵感》问世。1999年，与巴伦波因合作，和中东音乐家们组成的“中东青年管弦乐团”一起在德国威玛演出，同年获得顾尔德奖。
2006年，马友友被时任联合国秘书长安南任命为联合国和平使者，同年获得唐大卫奖。2011年，美国总统奥巴马在白宫举行授勋仪式，为马友友等颁发代表美国平民最高荣誉的总统自由勋章]。2017年2月13日，在美国洛杉矶第18次获得第59届格莱美奖“最佳世界音乐专辑”奖 。（网摘，感谢原作者）
2024.08.15
今日唱片
原声珍藏 VIRGIN 末代皇帝 THE LAST EMPEROR/坂本龙一 日版JVC长城标
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《The Last Emperor》是电影《末代皇帝》的原声带专辑，由坂本龙一与大卫·拜恩担任制作人，共收录18首歌曲，于1987年11月23日通过维珍唱片发行。
1988年3月，坂本龙一、大卫·拜恩和苏聪凭借《The Last Emperor》获得第60届奥斯卡金像奖最佳原创音乐；1989年2月，《The Last Emperor》获得第31届格莱美奖最佳影视器乐专辑 。
《The Last Emperor》可谓别具一格、独具匠心，小提琴与古筝等多种乐器的配合，使音乐倾泻而来，袅袅余音挥之不去，丝丝的忧伤沉积在深处，衬托着历史的厚重之感，让听众沉醉于其中。
歌曲《Open the door》中“门”（door）这个意向贯穿了整部电影，隐喻出溥仪一生无法自主的悲怆命运。其主题旋律由二胡演奏，二胡的音色圆润柔和，有近似人声的乐音，富有歌唱性。二胡和古筝在该曲中的出现，与作为伴奏乐器的小提琴相得益彰，充分地演绎出小三和弦暗淡的风格，音乐紧张中透露着无奈与痛苦，体现了溥仪的内心活动，让听众为之动容。
大卫·拜恩在《The Last Emperor》中所创作的歌曲轻松欢快，刻画了溥仪活泼可爱的形象。歌曲《Main Title Theme》以中规中矩的中国鼓点打头，一声锣响，随之便是清脆欢快的打击乐马林巴，中国鼓贯穿整段曲调，成为主打节奏，而叮咚作响如流水般的马林巴则给乐曲增加了一些轻松愉快的气氛，很容易使听众联想起在金碧辉煌的紫禁城里，清早宫中人们穿梭忙碌的景象。紧随马林巴的是一段小提琴演奏，旋律华丽悠扬，稍有重复，简单却极富表现力。这段配乐还加入了琵琶，多种乐器衔接流畅，整体错落有致，将东方的宫廷韵味表现得淋漓尽致。该曲带着一种西方人的眼光看待中国文化，有独特的想像力与神秘感，让你感受到一股摇曳生姿的东方风情。在短暂的欢庆中为后续的落日余晖埋下伏笔，构建张弛有度、悲喜交加的音乐美学，铺垫形成更大的矛盾冲突与戏剧张力]。
苏聪的歌曲《Lunch》的创作全部使用的是中国乐器，真实地展现了中国传统音乐的特点。先是箫声娓娓道来，接着插入打击乐营造出一种庄严肃穆的氛围，扬琴、琵琶、古筝相继交错进行。整体给人以神秘、沉寂、典雅的感觉，具有很浓郁的中国古代音乐风韵，衬托出了如演戏一样的皇家饮食习惯和繁复的宫廷礼节。《Lunch》也显示出中西方音乐本质上的不同，在总体声音的特性方面上中国的传统乐器更强调其个性，中国乐器的声音在离合选择上有其独特的指向，即单个的、分离的、非合众的。（网摘，感谢原作者）
2024.08.16
今日唱片
SME 黎明-HOT＆COOL Millennium Premium日本本土首版
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曲目：
Before The Party
Happy 2000
I Journey
Prima Donna
Beware Of Stranger
That's Life
Please Love Me
Ahhhhh!
Love Theme I
Don't Be Afraid That You Don't Love Me
None But Me
I Give Myself To You
Be My Girl
You Are My Friend
I Love You So Much
Elly
Police Station Rap
Sugar In The Marmalade (Japanese Version)
2000 Mixed Up Madly
简介:黎明2000年迎接新世纪，同年在日本推出精选大碟《Hot&Cool》，其中歌曲全部译为英文歌曲名称。这张精选大碟融合了黎明加盟Sony Music以来精选的获奖动听歌曲，并且分为Cool Side慢板情歌以及 Hot Side快板劲曲，其中包括了《Happy2000》《我这样爱你》《我把自己交给你》等等动人歌曲。并且特别收录Bonus Track3首劲曲，其中包括《如果可以再见你》专辑中的《Rap: Black VS Yellow》《Sugar In The Marmalade》(独家英语+日语)的日本专属歌曲，以及十分罕见的
《2000 Mixed Up Madly- Flying Fish Mix #2》。全碟都为教父级制作人Mark Lui雷颂德倾力为黎明量声定做打造，继续创造黎式电音风采，唱片在日本市场一致大获好评。可以说这张碟是他在日本最畅销的一张碟。（网摘，感谢原作者）
2024.08.17
今日唱片
上榜发烧女声 Diana Krall- When I look in your eyes/戴安娜·克瑞儿 德纸盒M&L01首版
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为Diana Krall带来真正巨大成功的是她在1998年Verve唱片公司发行的第五张个人专辑《When I Look in Your Eyes》。这是一张在评论界和商业上都取得了巨大成功的专辑，从1998年到1999年这张专辑连续52周驻扎在Billboard爵士专辑榜的冠军位置上，这是整整一年的时间！在整个世界范围内，这张爵士乐专辑的销量都非常出色，不仅在美国远远突破了白金销量，在加拿大更是突破了200万的双白金销量，在葡萄牙和法国，这张专辑也突破了白金和金唱片销量。同时这张专辑还是Diana Krall首次以完整的综合爵士演奏乐队进行表演和录制，著名音乐家Johnny Mandel带领着一支爵士乐队协助了Diana Krall这张唱片的录制。评论界的好评如同疾风暴雨的袭来，格莱美奖也不会再次与Diana Krall擦肩而过了。令人惊奇的是，《When I Look in Your Eyes》在第42届格莱美颁奖典礼上获得了包括最重量级的年度最佳专辑奖（Album of the Year）在内三项大奖提名，这是在25年时间里首次有爵士乐唱片获得格莱美年度最佳专辑奖的提名，其他获得该奖项提名的是摇滚乐老将Santana，正值颠峰的超级偶像后街男孩组合，主流乡村音乐的代表南方小鸡组合，以及当红的R&B城市音乐组合TLC的作品，这是极少见的爵士乐与主流的流行音乐风格一起分庭抗礼。在这届颁奖典礼上，Diana Krall最终获得了最佳爵士演唱奖（Best Jazz Vocal Performance），而专辑《When I Look in Your Eyes》也获得了最佳非古典类录音工程奖（Best Engineered Album, Non-Classical）。除此之外，在加拿大最重要的音乐奖Juno奖评选中，这张专辑又获得了最佳爵士演唱专辑奖（Best Vocal Jazz Album）。（网摘，感谢原作者）
2024.08.18
今日唱片
LONDON 肖斯塔科维奇-弦乐四重奏全集 菲茨威廉组 6CD 天龙虚字首版
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乐评家们喜欢把肖斯塔科维奇的交响曲和他的弦乐四重奏作比较。这很有意思:他的15首交响曲里有9首是1945年“二战”结束前写的,而总数也是15首的弦乐四重奏,却是绝大多数(13首)写于战后。这就意味着,肖斯塔科维奇的音乐在进入了他的创作成熟期后，总体上是朝着一种简洁、利落的方向发展的。甚至他最后的交响曲，如第十四首和第十五首，也是在他的四重奏创作的影响下明显地“室内化”了。如果说他早期在交响曲方面追随马勒,在《二十四首前奏曲与赋格》上是仿效巴赫,那么在他创作生涯的又一重头戏弦乐四重奏上，他所努力继承的就是贝多芬了。我们还记得,不算《大赋格》,贝多芬总共写了16首弦乐四重奏,比这位后生只多一首。
当然在质量上肖氏四重奏也是够水准的。这15首再加上巴托克的6首,就是20世纪的四重奏经典。而且我觉得肖氏的四重奏非常好听。它们精神抖擞,泼辣有力。早期的几首富有旋律美，而晚期的，尤其最后一首，结构大胆,手法新颖,六个乐章全是慢板!
菲兹威廉组这套肖氏四重奏全集，演绎上可以和权威的鲍罗丁组的版本(EMICMS5 650322,6CD)共享盛誉，而录音则好过后者很多。(唱片经典-李杭育）
2024.08.19
今日唱片
EMI 布鲁克纳-第九交响曲/舒里希特 英SWINDON首版
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布鲁克纳一生写过九首交响曲。在创作《第九交响曲》时布鲁克纳已年近古稀，从1891年写至1896年，花费了六年时间。但也只写好了第—、二、三乐章。写作中他的健康状况让他隐隐约约意识到一个问题，白己可能会跟贝多芬一样．在“九”这个数字上，为自己的一生作总结，并把自己所钟爱的交响音乐奉献给挚爱的上帝。这种念头支撑着他拖着孱弱的身体，加快了第九交响曲的创作。可命运最终还是无情地阻止了他，第九交响曲末乐章还没最后完成时他便接受上帝的神谕去了天堂。而这部第九响曲也成为了作曲家未完成的“天鹅之歌”。
卡尔·舒里希特（Carl·Schuricht 1880.7.3–1967.1.7），德国音乐家，6岁开始学习小提琴和钢琴，11岁他尝试作曲，15岁的他首次指挥乐队；1901年任美因兹市立剧院担任合唱指挥，后就读于柏林音乐高校；1912年任威斯巴登市立交响乐团音乐指导，1933年他被任命为柏林爱乐乐合唱团指挥，此后相继指挥维也纳爱乐乐团、法兰克福广播交响乐团、德累斯顿爱乐乐团，1944年他离开德国。50年代，他在欧美等国巡回演出，相继指挥波士顿交响乐团、维也纳爱乐乐团，出席萨尔斯堡音乐会，还作客柏林和伦敦；在1960年被维也纳爱乐乐团授予荣誉会员；1967年在瑞士去世。（网摘，感谢原作者）
2024.08.20
今日唱片
TELDEC 贝多芬-交响曲全集/哈农库特 5CD 德凸字首版
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跟很多评论家的意见一样，我心目中来说总体感觉最好的贝交全集，应该是哈农库特指挥欧洲室内乐团的TELDEC版。
哈农库特被广泛认为是本真演奏学派的倡导者之一，在巴洛克、古典和早期浪漫主义领域都具有权威地位。然而，他不是一意孤行的专家，其海顿交响曲录音使用了现代乐器乐团——皇家音乐厅管弦乐团，一出现就倍受争议。
哈农库特指挥贝多芬交响全的理念，曾是引起人们广泛好奇心的话题：他会使用什么样的乐器？乐队的规模有多大？
他最终使用了50人编制的室内乐团，除了小号都全部使用现代乐器，结果是非常好的。所有的交响曲都是实况录音，第1-8录制于1990年，第9是1991年。这里几乎听不到现场观众的声音，实况紧张感营造了很好的演出效果。
依靠上述条件，哈农库特似乎获得了两个世界最佳效果：现代乐器的声音，这是很多人，包括我自己喜欢的，还有小乐队的活力与精确，还有精彩的小号音色。指挥家的使用无阀键小号的原因，是因为现代小号在获得贝多芬需要的威武效果的时候往往声音太大。我相信这一点。
哈农库特这套全集最伟大的成绩，就是在听众的印象中，听到的音乐很新鲜，好象是第一次听到。这正是被本真主义者经常宣扬的，却没有彻底实现的东西，比如在罗格·诺灵顿和克里斯托弗·霍格伍德那里。
这并不意味着对诺灵顿和霍格伍德彻底否定，与这两位音乐学家相反，哈农库特几乎全靠音乐本身来传递。
如果你希望听到具体的例子：试试我常听的“英雄”。第一乐章是快的，但哈农库特没有失去对于这个深邃题材的观察力。无论如何，这是有史以来最伟大的交响曲之一。第二乐章葬礼进行曲，也没有失去重力和火焰。
正确的对于贝多芬长线的感觉；他从不会因为关注瞬间到瞬间的细节而失去对最后乐章的总体洞察。
这种对长线感觉在合唱交响曲最后乐章表现得最好，它获得了这些年最好的表演，是辉煌的、平衡感很好的，声乐演员的贡献也很大。应该承认，在前面的乐章，张力有时松弛了下来。
第8交响曲同样是超一流的，这是我知道的最好的立体声录音。如果找出哪一部交响曲真的不适合哈农库特出方式，它就是“田园”。尽管这个演出很让人愉快，但是它太“匆忙”了，暴风雨也不够惊人。
尽管有些缺点，这仍然是最值得推荐的立体声全集。我猜想，哈农库特和其他贝多芬交响乐诠释者的主要区别是，尽管他们可能是很好的音乐家或者音乐学家，哈农库特无疑是最伟大的一位。（摘自《爱乐》2007年第2期，P160）
2024.08.21
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巴西最感性的歌声，Bossa Nova经典女歌手之一!被巴西人们称为Bossa Nova的缪斯。娜拉.莱昂(Nara Leao)，60年代Bossa Nova乐风杰出的女歌手 虽然「Antonio Carlos Jobim」催生了「Bossa Nova」，但是真正将其轮廓勾勒清楚地却是另一名巴西音乐家（歌手、吉他手、作曲家）「Joao Gilberto」，在他的作品当中最令人印象深刻的便是与「Stan Getz」在 1964 年合作的经典荒岛片「Getz / Gilberto」 。但其实他在 1958 年於巴西厂牌「Odeon」底下发行的「Chega de Saudade（近乡情怯）；不过已绝版多年」才是他的首张作品，而这张专辑与同名的单曲也才是最早将「Bossa Nova」音乐概念完整呈现的首宗录音。
而在Bossa Nova的历史上不得不提的一位女歌手就是Nara Leao，被誉为真正的依帕内玛的女郎，出生于巴西富裕家庭，从小热爱音乐，除了是一位出色的歌唱家之外，也是一位出色的吉他手。
她是与Autrud Gilberto，Elis Regina，Gal Costa，Miúcha等等一众经典Bossa Nova女歌手并列的另一位经典Bossa歌手，被巴西人尊称为Bossa Nova的缪斯，真正的依帕内玛的女郎。与Autrud的清丽，Elis的灵动，Gal的热情，Miucha的诱惑不同。Nara的风格更为悠然自得，悠闲的拿着一把吉他自弹自唱，全然把世界的喧嚣抛在脑后，仿佛站在清凉的海边树荫里，吹着海风，噘着椰汁，这就是Nara，用她悠闲的魔力征服你。
Elis Regina(1945-1982)
出生于巴西南部城市Porto Alegre的Elis Regina，11岁便在电台步入她的歌唱生涯。1959年她来到里约热内卢正式签约了Rádio Gaúcha电台从而开始了她的第一份工作。1961年发行了第一张LP《Viva a Brotolandia》。回到Porto Alegre之后一直到1964年期间，她曾在一家著名的Bossa Nova夜总会唱歌，同时她又被电视台雇佣与当时其他一些著名的音乐家如Jorge Ben、Wilson Simonal等同台演出。
1965年在巴西首届流行音乐节上的演出真正令Elis Regina在国内被认知，尔后不久与Jair Rodrigues共同合作录制了《Dois na Bossa》，并一同参加了巴西当时一档知名的专门推出音乐家及其音乐的电视节目。就在那之后Elis Regina的音乐事业正式得以腾飞，她1966年的专辑《Elis》收录了第一张专辑中由Milton Nascimento写的歌曲，于是也因此她的成名带出了象Milton Nascimento、Ivan Lins ("Madalena")、Tavito/ Zé Rodrix ("Casa no Campo") 、Belchior ("Como Nossos Pais")等一批音乐创作人。
Elis Regina开始更频繁地参加一些音乐节的演出活动，以及诸如为了保护巴西音乐反对外国音乐的入侵、反对电吉他等一些音乐运动。1969年当她的欧洲及拉美巡回演出结束后，她的国际地位得以越发的巩固，她最重要的专辑之一——与Tom Jobim合作完成的《Elis e Tom》在美国问世。1979年，她参加了瑞士的一个爵士音乐节，同年由Aldir Blanc和Joo Bosco为她录制了另一伟大专辑之一的《O Bêbado e a Equilibrista》，这两位优秀的音乐人为她写出了很多首著名的歌曲，如，, ...
1982年1月19日当这位正展望着未来一切如新生活时的女子却因药物中毒去世于家中，那年，未满37岁。
当全世界都在关注巴西的国内局势，而最后被传唱的却是政治意识并不浓的波萨诺瓦。它就像是硝烟之中传来的清新的吟唱，代表着人们渴望自由的倾向。在整个波萨诺瓦的历史中，Elis Regina是非常重要的一位，她的一生并不得志，由于受到威胁，在国内她一度屈服于暴政，这段经历一直使她郁郁寡欢而喜怒无常，并早早地离开了人世。（网摘，感谢原作者）
