My top list 2012 【在继续跑偏的路上回头看】（完结，部分资源上传中）

GhostK

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唉～感觉现在没有万全的准备，都没有时间和心情听马勒。听马勒太伤了。
现在多数时间就听听巴洛克和法国小曲儿打发时间。以前天天马勒贝多芬的都还精力充沛的

winniemon123

我也觉得，冲到CD架前或者打开电脑，拿出马勒的动力都没有~

diewalkure

原帖由 GhostK 于 2013-1-24 10:38 发表
唉～感觉现在没有万全的准备，都没有时间和心情听马勒。听马勒太伤了。
现在多数时间就听听巴洛克和法国小曲儿打发时间。以前天天马勒贝多芬的都还精力充沛的

马勒的我现在只听片段。1还算比较轻松吧。大地之歌只听前五个乐章。马四第一乐章，等等
更多的是沉迷于古乐之中。比如萨瓦尔、Gothic Voices、Hilliard Ensemble

GhostK

记得十来年前和一个乐友闲聊，他说他最爱听巴洛克音乐，我当时还在想那种没深度的东西真值得这么着迷么？现在一下就明白了。

GhostK

5. 现当代古典音乐


人一到周末就莫名其妙的犯懒，于是挑了一个简单的领域来写。结果悲剧了，快写完的时候浏览器不争气的挂了。重新来过！




2012年现当代音乐听了不少，值得一提的却不多。经过仔细考量，我来还是勇敢的把这一殊荣给予一张“危险”的唱片——美国当代女作曲家Gloria Coates的《第二交响曲》及其它几首标题音乐。现当代音乐盛产各种奇异果实，但是大部分只是在利用人类的好奇心和感官冲击力吸引听众，真正等你品尝的时候酸涩难吃或者平淡无味。Coates的这张唱片却我从年头一直听到年尾，它吸引着我一遍又一遍的体验 Coates 独特的音乐语言，冰冷压抑有神秘的声音。《第二交响曲》的三个乐章分别被命名为“北极光”、“南极光”和“黎明”，都是黑暗中的微光。 Coates自己说道：“（这标题）指的是永恒存在的光，在音乐里，可以从泛音列中听到它，模仿着上分音和下分音。我也会把它看成是实际存在的光，在最为沉重悲哀的时候，照亮一个人的四周。”其音乐也恰如其分的描绘了这一主题。在一片冰冷、灰暗、死气沉沉的背景下，布满天际的滑音制造着微妙的波动，如同黯淡光线在天边摇曳着、变换着。时间的流逝和静止在她的作品中得到了统一，无休无止的滑音很容易催生幻觉，让人产生强烈的带入感，从而忘记时间的存在。一阵失神恍惚之后，我又猛然发现眼前的景象早已面目全非。

以下是我第一次听这张唱片时留下的一点听感：
她的音乐语言给我留下了很深的印象，独特但没有流于形式，这些作品猛地听上去就像是恐怖电影配乐，一片灰暗压抑的气氛，仔细聆听才感受到她音乐语言的丰富多彩，各种迅速变幻的光线在灰色背景的衬托下轮流扮演着希望、彷徨、挣扎、绝望，音乐情绪十分细腻。在她的音乐世界里，真正的恐怖来源于什么都没有的一片死寂，用噪音制造的无声。一条条平行的线，延绵不断，就像是无尽的时间，没有开始没有终结，在无限的空旷中，你却只能寄居于无限的狭小，一直这样存在，直到无限久远，想想就让人不寒而栗。


其他一些重要唱片：



DG111中的一张优秀唱片，克莱默对于这两部作品的演奏都非常优秀，引人入胜。本打算把最佳授予这张唱片，只可惜，我总是觉得这两部作品放在一张碟中气场不搭，听唱片时，很难一下从格拉斯的简约而不简单直接跳转到施尼特凯的激烈精神拷问。



Max Richter改编版《四季》，以前撰文写过，这里重发一下：源出
其实对当代作曲家Max Richter并不十分感冒，最先只是被这张新专辑的封面设计所吸引。在DG公司放弃正价碟“大黄标”设计样式多年之后，这样一张封面的出现自然很抢眼。喜剧的是，伴随这样一个“传统”封面回归的却是一张并不十分“传统”的古典音乐唱片。Max Richter这位Modern Classical作曲家的一贯风格便是将氛围电子乐与传统古典音乐融合。这张改编版的《四季》亦是如此。  由于维瓦尔第的《四季》优美动听，普及度极高，说它是古典音乐中最为“烂俗”的作品也不为过。维瓦尔第的《四季》看似简单，但对一年四季的描绘着实到位，不论是生机盎然的春还是萧杀凛冽的冬，各有各的相貌，全曲共展现了一年的十二种颜色，但是气息前后贯通，一气呵成。  Max Richter的改编版《四季》，更像是12个独立的片段外加一个混沌的太初。虽然大格局上不如维瓦尔第的原版《四季》，但改编版每个片段都自成一世界，各自经历“元亨利贞”四个生命阶段。声音从细微之处发端，微小露珠、雨滴不断滚落，逐渐汇聚成大江大河，浪头越推越高，声势越来越宏大，最终汇入深不可测的大海，嘎然而止，复归平静。得益于氛围化的背景部分，音乐包围感很强，甚至有种电影配乐的感觉（M. Richter本来也是一位电影配乐大师）。音乐成功的制造出一种疏离的氛围，让听者置身纷繁的世界之外，如同悬浮在太空或海洋的深处，倾听世间纷扰。在极简主义和电子乐的影响下，Max Richter笔下小提琴的节奏也趋于“机械”的电子化特征，简约、重复，在幽闭的大环境烘托下，更突出的体现着人类内心的孤寂。  听者孤独一人，站立在北极纤尘不染的冰原上，遥望绚丽的极光。令人心潮澎湃的宇宙之声一次又一次把人类推向被遗忘的内在世界，审视并且反思着。



两位南美作曲家Villa-Lobos和Ginastera的的作品集，大名鼎鼎的几部作品。虽然这些都是两位作曲家初期的作品，称不上太现代，特别是Ginastera那两部组曲。但是我最先接触这二位时，听到的都是他们后期使用现代作曲技法谱写的作品，所以一直把他们视为现代古典作曲家。

GhostK

4. 器乐独奏及室内乐

2012年的器乐独奏和室内乐唱片收获不算太多，而且大部分集中在历史录音领域。所以选一个印象深刻的唱片不用太费脑子，况且这张唱片演奏的正是我最为钟爱的舒伯特。



在Kempff牢牢占据我心目中D960演奏宝座的情况下，Berman这个音质不算好的现场录音却轻而易举的给我留下深刻印象。想演好舒伯特既要提防空洞乏味又要避免矫揉造作。听 Berman这个D960的第一个感觉就是“健康”，这位李斯特专家的演奏风格一向是刚柔并济，兼具力度和细腻度。虽然他拥有制造丰富华丽音色的能力，此处却使用了一种非常健康的声音，虽然Berman也采用了较慢的演奏速度，但是却没有李赫特那种过于外露的情绪表现以及不同乐章间极端的速度对比，整体上的情绪平稳，只有最后一个乐章的演奏略有些不稳定。特别是前两个乐章，演奏内敛自持，琴声平和自然。没有放纵的强力击键，没有情感的过分宣泄，却又不让听众察觉不出刻意收敛力量的痕迹。从第三乐章开始逐渐曾加少许节奏和力度变化，就像是在一洼清澈见底的水中滴下一滴颜料，在宁静的水面激起小小的涟漪，并化开一丝色彩，为整部曲子增添了生命力和别致的趣味。舒伯特的音乐不单单是歌唱性的、优美的、略带伤感的。他的音乐更是诗性的，不是拜伦那种悲壮的个人英雄之诗，而更似他的同胞诺瓦利斯，音乐在光明和黑暗间迅速转换，将两者混合成一片迷雾，然后再邀一屡清风将神秘的雾色吹拂，让你在雾霭的间隙中可以恍然瞥见来自天堂的光芒，纯洁又透明、宁静且温暖。舒伯特会在看似愁肠百转的音乐里随手放进一些小把戏，让音乐变的可爱甚至古怪，充满趣味。Berman那灵动的指尖把这些细微之处把玩的十分到位，让音乐言之有物，不会流于苍白空洞。

其他重要唱片：



又是一张从那年头听到年尾的唱片，古尔德弹奏欣德米特的三首钢琴奏鸣曲。



我的第三张肖斯塔科维奇的大提琴奏鸣曲唱片，虽然两位来自捷克的演奏家名不见经传，但这场唱片却让我十分满意。这张唱片上第二首奏鸣曲本是为中提琴和钢琴所写，此处由演奏家改编到大提琴上演奏。肖斯塔科维奇晚期音乐作品中的一颗黑珍珠。



可能是和东欧人爽朗的性格有关，来自东欧的室内乐演奏总是很吸引人，乐曲结构的保持度很高，演奏干净利落，欢快动听。



勃拉姆斯的大提琴奏鸣曲，这位大提琴家的风格带有法国人特有的精致。这场唱片我曾经提到过，从这里转述一下：勃拉姆斯和舒伯特其实是很难搞的两个家伙。他们的音乐外在情绪本来就比较饱满，表达方式上也略显粘滞，再遇上大提琴这种深沉多情的乐器。录音如果一未追求“效果”而添加味精，把握不好平衡。那么勃拉姆斯必然会腻歪到让人生厌，舒伯特内在那种独特的光明和通透感也会荡然无存。这两张唱片却以无比自然的方式记录下乐器真实的声音，不论是录音还是演奏不过多加入人为修饰，自然得体，无比优美，百听不厌。

defaultoasis

个人觉得max richter现在还在玩这些。。真的挺out的 氛围里本来就有古典 甚至于”氛围“本来就是直接出身于古典+moog 鼓机的结合 像Popol Vuh啊Ashra啊之类的德国电气乐队 对这些在70年代初就有过尝试了 不是指音乐本身有多像 其实一听就知道八竿子打不着 只是说他这种理念 没有什么好玩 而现代音乐如果失去了理念上的独特性 我觉得就很减分了

GhostK

原帖由 defaultoasis 于 2013-2-5 13:43 发表
个人觉得max richter现在还在玩这些。。真的挺out的 氛围里本来就有古典 甚至于”氛围“本来就是直接出身于古典+moog 鼓机的结合 像Popol Vuh啊Ashra啊之类的德国电气乐队 对这些在70年代初就有过尝试了 不是指音乐本 ...

我对Max Richter不太感冒就是因为他绝大多数音乐作品都更偏重于音乐的实用性，而在实验性上建树不多。
这张改编版《四季》更像是配乐片段练习，不过很滋润耳朵。
Max的理念落伍了但却一直在努力实践欣德米特晚年“实用音乐”的理论。对于当代音乐推广还算有益处。

Popol Vuh我只听过其中晚期音乐，早期的moog音乐我没有听过，不过Klaus Schulze和前期的Tangerine Dream却是我的菜

defaultoasis

schulze肯定好啊 像moondance啊cyborg啊 大雄心大表现都是 还一张叫什么来了？叫irricht还是叫什么的 突然忘了 也很好 我自己还有他一张电影配乐 好像是什么色情cult电影 那个他做了两部 具体叫什么又想不起来了。。昨晚上熬了一夜脑子有点不转了
tangerine dream早期 不知道你听没听过最最早的一个ep啊 叫什么我也想不起来了 他们那时候是个特一本正经的迷幻乐队似的 但很快froese变了方向 没几年我签名里那位就把他们给捧得挺火了 说老实话 我还是爱好他们phaedra和rubycon那时代
popol vuh其实我也随嘴一说 好久没听过了 也不太确定具体他们旋律学不学院了 我只买过他们第一张 下过70年代一两张 我的印象是早期虽然也鲁一点 不过和这几个乐队（包括发电厂头两张 甚至是neu那种）的早期 不是怎么太一样 他们好像从一开始就不是太摇滚 也不太像faust那样反音乐 也不是amon duul那种重型嗑药音乐 总之感觉一出来 目的感就比那几个强

GhostK

原帖由 defaultoasis 于 2013-2-5 17:05 发表
schulze肯定好啊 像moondance啊cyborg啊 大雄心大表现都是 还一张叫什么来了？叫irricht还是叫什么的 突然忘了 也很好 我自己还有他一张电影配乐 好像是什么色情cult电影 那个他做了两部 具体叫什么又想不起来了。。 ...

才发现你签名是大名鼎鼎的John Peel，怪不得对摇滚很有心得啊
irricht正是schulze第一张惊天地泣鬼神的moog专辑，合成器是popol vuh乐队刚卖给他的。我说的橙梦前期就是指80年代之前，你说的那两张专辑还有Stratosfear我都很喜欢。倒是他们最早纯迷幻摇滚的东西我没怎么听过。可惜后来橙梦过于流行化了，和schulze拉开了档次。

GhostK

6.历史录音
历史录音算是这一系列Top list中最难分出仲伯的一个项目。如果不是对演绎水平充满信心和期望，谁会愿意花着钱去忍受炒豆子闷罐子的声音？所以购买的历史录音总是各有千秋，很难说谁是2012的No. 1。



这些老物件中，最能提起我兴趣的一张唱片是门盖尔贝格指挥的柴科夫斯基第6交响曲。如今在评论演奏家指挥家的时候，“自由速度”是一个时髦的话题。虽然自由速度人人可用，但是出来的效果能否让人信服就是另一码事了。它更像是一把双刃剑，用的妙可以四两拨千斤，用的笨拙便成了小丑的表演，夸张又俗气。要用好这手绝活，首先就要对作品有深刻的认识，依据作品主旨有的放矢，制造所需效果来烘托主题。其实，还需要指挥对乐队有很强的控制力，速度改变和段落衔接浑然天成，自然流畅，不能有生硬的句读。乐队和指挥最好是长期配合的搭档，便能达到心有灵犀的境界。门盖尔贝格算是那一批“老派”指挥中的代表人物，他那种极端主观主义的演绎虽说在演奏巴赫等人的音乐时，有人可能会持怀疑态度。但是柴科夫斯基和勃拉姆斯这种高度主观的音乐语言简直就像是为他的独特天赋量身定做的。门盖尔贝格和亲兵音乐厅乐团合作的《悲怆》便是极具说服力的一张唱片，他对柴科夫斯基进行了完全的解构，然后，再以一种充满戏剧性的方式重新构建这一作品，向听众展现出柴科夫斯基是如何创作这一交响曲的。他棒下的《悲怆》充满了情感上的张力，例如第三乐章中，张弛有度的节奏，流畅的衔接，就像是一辆奔驰在高低起伏的山间公路上的敞篷跑车，它那丝毫不生硬、顺畅如无物的变速箱给人以无比的享受，再加上滑音效果的烘托，热烈喜庆的气氛相当浓厚。在处理第一乐章中著名的第二主题时，门盖尔贝格也体现出他对作品的独到理解，这一主题在经历了一系列变形再次出现时，他采用了与开篇处不同的基调，相对热烈的情绪和速度与前面那种略带抑制的温柔形成了强烈对比，引人注目。这半年多时间里，门盖尔贝格这个柴六总能给我带来惊喜，许多以前不注意的细节和情绪都在这种极端的对比之下显现出来。听完唱片就像重新发掘了一遍这部作品。

其他重要唱片：



门盖尔贝格指挥的勃拉姆斯第四交响曲。



Ignaz Friedman演奏的肖邦马祖卡等。



Elly Ney与Hoelscher合作的贝多芬大提琴奏鸣曲。



兰多芙斯卡演奏哥德堡变奏

[ 本帖最后由 GhostK 于 2013-2-25 22:40 编辑 ]

icenight

我喜欢兰多夫斯卡的平均律，大爱:D

icenight

我喜欢兰多夫斯卡的平均律， elly ney的贝多芬奏鸣曲也是爱得要死

GhostK

兰多芙斯卡的平均律还没听到过。不知道Naxos的那个转录如何？最近喜欢上大键琴下的平均律了。

yangmetal

顶上！