据说最近很多人在玩什么朋友圈古典30天接龙的游戏

ramos

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Day 1 – 一首带我入坑的作品 Chopin – Etude Op. 10 No. 4

有兴趣可FOLLOW

当然我不可能每天写一篇
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前言

之所以想写写这个系列，是因为朋友圈里有不少人都开始就这个三十日挑战发自己的古典音乐入坑史。作为一个从小接触到古典音乐，并且在成长的过程中身边充满了古典音乐爱好者的环境的幸运儿，我想以这个30天挑战为契机，来回顾古典音乐在我成长的过程中留下的深刻印记。也想这一系列文章能够带一些人入坑，感受古典音乐的迷人之处。

为了让大部分人都可以轻松阅读，这系列文章不会涉及太多的古典音乐背景知识，感受音乐的最好方法，就是多听，听不懂的话就再听几次，在音乐给人带来的高密度感受下，任何语言都是苍白无力的。或许对于大部分人来说，我说的曲子都会比较陌生，如果理解不了的话，就多听听。听不明白的话？就再多听听。看一百句乐评不如听几次更好，只有这样才能更好的体会到古典音乐的美妙之处。

Day 1 – 一首带我入坑的作品

Chopin – Etude Op. 10 No. 4 肖邦 - 练习曲 Op.10 No.4

肖邦的练习曲可以说是古典音乐史上的一个独一无二的奇迹。Op.10和Op.25共24首练习曲可以说是所有希望成为专业钢琴家的人都必须征服的丰碑之一。这些练习曲是如此的美妙，每一首都是一首小小的音诗，本身的结构就充满了和谐和对称。在众多浪漫派作曲家里，肖邦的作品是最接近“完美”的。其具体表现是，只有肖邦的曲子是很难弹得“难听”的，因为肖邦的曲子本身就足够精妙，哪怕一个蹩脚的钢琴家，只要他的基本技巧（能把音摁准就行）过关，都很难把肖邦弹得难听。而相比起来，主要的浪漫派作曲家中门德尔松、李斯特、拉赫玛尼诺夫、斯克里亚宾（早期）、舒曼的曲目的表现难度可以说是阶梯状上升。所以，我十分推荐听古典音乐入门的爱好者从肖邦入手，因为这是最容易接受的。从这个角度来说，我也算是个幸运儿。

带我入坑的既不是大部分人都熟悉的“离别”（Op.10 No.3），“黑键”（Op.10 No.5），而是这一首Op.10 No.4。奇妙的是，我甚至不知道带我入门的这首曲子的演奏者是谁——因为那是我从我98年钢琴考级的磁带上听到的。虽然时间已经很久远，但那无疑是个不怎么样的演奏，只是勉强把音都碰对了而已，今天我可以明确找出数十个比它好得多的录音，不过在那时候这是我唯一能够听到的录音。当时的我根本不知道李赫特、霍洛维茨等等大师，甚至都没有意识到古典音乐的表现极大程度上依赖于演奏者的水平，但并不妨碍我当时把考级磁带都听得消磁了。因此，这首在肖邦练习曲中并不算“好听”的作品，就成了带我入坑的作品。

肖邦的练习曲以及大部分曲目，大部分是没有带标题的。有标题的一些曲目，其实也是出版商擅自加上的标题。因为肖邦本身就认为标题会使得听众局限在标题所表达的含义里，从而限制了听众的想象力。所以，肖邦想通过这首练习曲表达什么？演奏家又用它表达了什么？这两个问题都没有标准答案，它就是一段音乐，仅此而已。除了表达了演奏者对它的理解以外，我认为曲目本身并没有表达其他的什么东西，这只是一首纯粹的，优美的练习曲。

虽然已找不到当时的磁带录音，不过这首曲子的优秀演绎者还是很多的，在这里只举两个经典的例子，一个是波利尼教科书般的演奏，另一个是李赫特惊世骇俗的暴风般的演奏，不知道你会喜欢哪个呢？

Maurizio Pollini – Chopin Etude Op.10 No.4

https://music.163.com/#/song?id=21095799

纯粹中正的演奏，是许多人的范本，估计也是很多人接触的第一个肖练全集版本，全程堪称完美，但因此也显得无趣（对我来说）

Sviatoslav Richter – Chopin Etude Op.10 No.4

http://v.youku.com/v_show/id_XMTkzODI1MzA0.html

https://www.youtube.com/watch?v=GQ-NAgDpRVs

配合视频，食用更佳，能感受基佬操爆键盘的威力。

（Tips解说：由于欣赏古典音乐的方式和其他种类音乐有非常大的不同，所以每一天我会写一条小Tips帮助新接触古典音乐的读者理解，相信30篇文章过去后，对如何欣赏古典音乐会有个整体的印象。当然，这只是我的个人看法，每个人也可以有自己的欣赏方法，无分对错。至于为什么我强调无分对错，相信继续看几天就明白了。）

Tips 1：

由于大部分古典音乐的作曲家都已作古，和流行音乐不同，古典音乐的作曲家和演绎者往往不是同一个人，所以也不存在一个“权威”、“完美”的演奏。古典音乐的魅力就在于一首曲子在不同人的手下，或指挥棒下，能够体现出完全不同的风貌。从这个意义上来说，演奏家/指挥家的地位不应该低于作曲家本身。打个比方，作曲家提供的是一份图纸，而演奏家/指挥家则是将图纸重现为实物的那个人。在这个过程中，演奏家/指挥家既要尊重作曲家的本意，又需要呈现现出自身对曲目的理解。因此，一个伟大的演奏家/指挥家本身必定是一个伟大的沟通者，他/她的演绎或多或少包含了自身对曲目的理解，同时也成为了链接听众和作曲家的桥梁。

童年回忆

很满啊

ramos

Day 2 - 一首你心目中最伟大的慢板乐章
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布鲁克纳第八交响曲 第三乐章 – Bruckner: Symphony No.8 in C minor – 3rd Movement Adagio

春节了，好几天外面鞭炮连天，根本没办法静下心听音乐，只能在深夜无人的时候写写。

很多初识古典的朋友往往都对那些令人眼花缭乱的技巧入迷，以至于迷恋于听一些炫技作品的高难度片段的演奏。简单的说就是快、快、快，越快越复杂砸得越大声越好。人总是喜欢刺激而夸张的东西，写出炫技曲目的作曲家随便一把抓，可以说自从帕格尼尼、李斯特等人开了先河以后，后面百分之九十以上留名青史的作曲家都写过各种各样华丽炫目的作品。到了近代，各类“炫技派独奏家”层出不穷，上网一搜什么“XXX曲子是不是世界上最难演奏的”，“XX的技术是不是历史上最好的”之类问题满天飞，甚至出现了在钢琴键盘上玩散打，最后玩到IPAD上的“演奏家”。抛开这些“弹得快”+“音乐难”=“技术好”的奇怪逻辑不管，我们今天来谈谈“慢板”。



有人可能不太理解，学过乐器的人都知道，都是从慢练起，熟练以后再慢慢加快，难道快不是更难吗？真的不一定是这样，不信的话试试把一首正常速度的曲子拖长到2倍时间，还弹出正常速度的感觉试试？绝大多数曲子这么一拉长，都会变得非常空洞，也就是说，除了拿来练习以外，已经失去了欣赏的意义。所以并不是把快的曲子拉长了就变成慢的了，这样行不通。

能够把慢板写得出神入化的作曲家极少，我印象中写得最好的几位有贝多芬、舒伯特、勃拉姆斯、柴可夫斯基、西贝柳斯、布鲁克纳、马勒等等几位。慢板之所以难写其实原因也很简单，我们在欣赏音乐的时候，要从“时间”和“空间”两方面着手，“时间”是曲子的结构形式，而“空间”则是指在一段时间内我们听到的声音的层次感。由于人天生就对快产生刺激感，所以一个炫技作品可以用粗糙而复杂大量的音符来糊弄听众，只要挑起听众浅层的兴奋感就行了，即便空间上没有什么出彩的地方也能糊弄过去，很多作品把表面的华丽外衣给抽走了以后就没剩什么了；而慢板要能吸引人，就要在时间被拖长的情况下，在空间上进行足够的填充，能够形成丰富的音响层次、动人的旋律，从而让人把浮躁的内心沉下来慢慢欣赏。因此，很多优秀的慢板都有一种哲学感和沉思感，往往一部交响曲或奏鸣曲最出彩的地方都是慢板。像贝多芬、舒伯特、勃拉姆斯几个能够用寥寥数个音符写出极其迷人的慢板的作曲家更是罕有，同时能够弹好的人也是凤毛麟角。

虽然个人的偏好是钢琴，钢琴作品里也不乏贝多芬悲怆、月光、Op.110、舒伯特D894、D960等等优秀的慢板乐章，不过慢板的精髓还是交响乐。经过一番考虑我最后在勃四第二乐章和布八第三乐章中选择了后者。布八的第三乐章是一首前无古人后无来者的柔板乐章，充满了宗教感的信仰和热诚，最终归于平静。这个乐章拥有极强的画面感，对我而言像是一个灵魂在离开躯体后，回头看过自己的一生，并一步一步爬上神山并攀登上天堂之梯的过程。可能这也是为什么很多人愿意把这个乐章作为葬礼音乐吧。语言已经很难描述音乐的神秘，还是听听看吧。

https://y.qq.com/n/yqq/song/00474HF82nDm60.html

Bruckner Symphony No. 8 in C Minor: III.
Adagio – Sergiu Celibidache - Munchner Philharmoniker

布鲁克纳第八交响曲 第三乐章 – 谢尔盖·切利比达奇 - 慕尼黑交响乐团

切利比达奇是指挥布鲁克纳的泰斗，他的最大特点就是慢，几乎指挥任何曲目都比别人慢，他晚年的指挥棒下流出的音乐永远是纯净透明、条理清晰、是一种解构式的表达方式。对于为什么要慢他有自己独到的解释，要把每个点的丰富感完全表达出来，所以每个点之间的距离要够长，不然两个点的和声就会混杂在一起，使得整个结构变得浑浊。切利同时也是个完美主义者，并不是很适合现代乐团的运作模式，他认为越有能力的乐队就要进行越多的排练，以完全发挥乐队的潜能，让乐队发出他想要的“声音”，所以乐队经常被他整得苦不堪言。不过也只有这样的乐队，才能够把他心中的音乐蓝图完美的展现出来。

拓展阅读：人生的穹顶 ——漫谈布鲁克纳第八交响曲

https://www.douban.com/group/topic/2074602/?type=like

ramos

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Day 3 - 一份你最喜欢的演奏家的独奏录音

Sergio Fiorentino: The Berlin Recordings

http://www.xiami.com/album/cRYng79f454?spm=0.0.0.0.VX37Z2

Sergio Fiorentino是我最喜欢的钢琴家之一。虽然有一大帮钢琴家都被称为“最后一个浪漫主义钢琴家”，不过我觉得不管是从逝世的时间和钢琴水平来说，他都是这一称号的有力竞争者（笑）。由于他的重心在于教学而非演奏，所以不被许多人熟识，不过这几年APR和Piano Classic出了好几套他的专辑，再加上有几位爱好者在国内各个论坛不断安利，也让很多人了解到他的钢琴艺术。

今天推荐的这份专辑一共10张碟，是Fiorentino在94年复出以后在德国录的一套录音室录音，每一张都可以说代表了相应曲目的最高水平的演奏。他是个全能型选手，不管是巴赫、舒伯特、舒曼、肖邦、李斯特、拉赫玛尼诺夫都弹得得心应手。尤为可贵的是，他是为数不多的能够让钢琴“歌唱”的人，能够在钢琴上做出非常完美的连奏（Legato），并且能够用改变音色而不是增强响度去表现内旋律，从而体现出一种“用钢琴唱歌”的效果。具体可以听听他自己改编的舒曼《奉献》。

http://www.xiami.com/song/1774209623

作为对比，找个范·克莱本演奏的李斯特改编的舒曼《奉献》听一听

http://www.xiami.com/song/mQHDTv80ad2

舒曼的《奉献》原本是一首他创作的艺术歌曲，后被改编为其他多种乐器演奏。对比上面两个演绎我们很容易发现，Fiorentino演奏的舒曼《奉献》的主旋律是“融化”在整首曲目中的，主旋律是被“挤”出来的，甚至有点像“唱”出来的，而作为对比的另一个演奏的主旋律更多的是被“敲”出来的。对音色这种魔术一般的掌控能力是非常难以做到的。很多钢琴家一辈子都只会用响度对比去表现内在的旋律，缺乏对音色的高度控制能力，在演奏浪漫派乐曲的时候，难免让人觉得索然无味。而且在这里，舒曼的《奉献》是对克拉拉写的情歌之一，理应用温柔的“语气”倾诉出来，而不是大声对着克拉拉吼“老子爱你一万年”，这难免让人感觉气氛有点奇怪。

Tips 2：钢琴的连奏（Legato）

连奏在歌唱和演奏中都是非常常见的，但由于钢琴作为敲击乐器的特性，使得钢琴上做连奏是非常困难的一件事。首先，连奏的前音和后音之间既不能交叠，也不能断开。如果后音落下前音仍未消失，产生了交叠，这种连奏容易产生浑浊的效果；如果后音还没落下前音就消失了，那么就变成了半连音（Portamento），两者都是不好的。然后，由于钢琴是不存在“键和键之间的音”的，不能像人声或弦乐那样形成圆滑的过渡（例如人声可以唱出C和C#之间的音，弦乐也可以，但钢琴不行），所以通常必须保证一个每一个乐句的连奏的音色是统一和和谐的，不然就会破坏乐句的完整性。一些最优秀的演奏家能够采用多种音色完美的表现连奏，创造出歌唱的效果。最后，因为钢琴无法像弦乐器那样无限地延长一个音，在敲击后声音就会逐渐消失，所以在缓慢的乐段做连奏非常困难，演奏者必须把前音奏得足够响，并且在演奏后音的时候小心翼翼，避免产生生硬的敲击效果，所以能够在把类似舒伯特奏鸣曲的慢板乐章的音都弹得圆润连接不露破绽的钢琴家一定是大师中的大师。

逆流光子

呀，原来ramos是玩知乎的呀。关注了~

robinhook

好贴！有情怀，有坚持，有干货！