在19世纪末的音乐厅和20世纪的录音棚中出现的钢琴大师，几乎都曾是弗朗茨·李斯特或特奥多尔·莱谢蒂茨基的学生，他们两人都强调发展演奏者的个性，但学生们并没有相同的演奏方式。因而由李斯特的学生埃米尔·范·绍尔（Pearl CD 9403）和阿瑟·德·格里弗（Opal 829，只有LP）录制的李斯特的《第一钢琴协奏曲》听起来大相径庭。莱谢蒂茨基的毕业生也是这样，伊格内兹·弗雷德曼的演奏刚愎自负，音量宏大；伊格内兹·帕德里夫斯基以其鲜明的政治观点和超凡魅力赢得了普遍欢迎，阿瑟·施纳贝尔对莫扎特，舒伯特，特别是贝多芬作品睿智冷静的演绎体现出现代人的品味。
《莱谢蒂茨基的学生》（Opal CD9839）和《李斯特的学生》（Pearl 9972 2张CD）都是钢琴演奏艺术的杰出代表。这些作品也充分显示出学生们高超的演奏个性，而大师们所形成的那个时代的审美观念并没有让学生们模仿下来。
那么，19世纪的大师本人是如何演奏的？没有录音，我们无从知晓。李斯特1886年去世，莱谢蒂茨基活到1915年，他唯一的录音是Opal CD9839 中的肖邦《夜曲》，由于多次转制而失去了钢琴家的演奏本色和风格。
李斯特不仅是19世纪最伟大的教师，而且也是最有影响的两位表演家之一，他那颇具夸张的演奏促进了键盘乐的革命性发展。他还是最伟大的即兴演奏家，即使是第一次视奏新乐谱也要加以改编。在他去世后相当长的时间里，李斯特式的演奏还在风行。厄文·尼莱吉哈兹1903年出生于布达佩斯，他从十几岁时起就崇拜李斯特，在一系列耀眼的首演和评论之后他从舞台上消失，50年和9次婚姻之后他于1973年在洛杉矶复出。他只在当地的教堂里举行了音乐会，其中的两首李斯特“传奇曲”被录制成廉价的盒式磁带，以Desmar LP IPA 111发行，这可能是最具热情和灵性的非凡演奏。此后，尼莱吉哈兹成为受评论界喜爱的人物，还录制了几个专辑，但都不如那次音乐会所体现出的对李斯特精神的复兴。
19世纪另一个最有影响力的钢琴家是肖邦，他的高雅精致与李斯特的放荡不羁完全不同。肖邦在1849年去世，他的学生也没有留下录音。但他早期的学生卡尔·米库里一生致力于用大师的演奏方式来教授大师的作品，米库里的学生拉乌尔·考扎尔斯基是才华横溢的神童，他从米库里身上吸取到了肖邦的精神实质，并且具有一定的免受其他影响的能力。他的录音收录在Pearl CD 9472 中，这是我们所能得到的最接近肖邦本人的演绎，作曲家的节奏自由和许多乐谱上没有的装饰音，以及过去的演奏习惯（比如一只手捎带另一只手）都体现出肖邦的风格特征。
还有一套与过去联系紧密的20世纪钢琴录音，那就是芬尼·戴维斯在1928-30年间录制的几首包括协奏曲在内的舒曼钢琴作品（Pearl CD 9291）。戴维斯是作曲大师舒曼的遗孀——克拉拉·舒曼最后的学生之一。在罗伯特·舒曼1856年去世后的40年中，克拉拉致力于丈夫作品的演奏，她也要求他的学生把她在30年代从罗伯特身上学到的东西继承下来。因此可以说，戴维斯认真而颇具高雅和与众不同的乐句划分源自作曲家本人的意念。除了浪漫主义的气质和音乐评论，舒曼还建立了当时的音乐创作风格，戴维斯的演奏为我们保留下更多的过去时代的完美的音响概念。
管弦乐作品
1920年之前的交响乐（与铜管乐相对而言）录音相当罕见。当时的录音设备还不能胜任管弦乐队所发出的比两个八度更高或更低的音域。没有了和声的高声部，音色就变得比较模糊，弦乐、铜管和木管的不同音质听起来有些相似，作为管弦乐基石的倍大提琴只有呜咽之声。录音空间的有限也是难题，这种状况一直持续到1917年的波士顿尝试。
早期的管弦乐录音都是由年轻指挥家们指挥的，比如托马斯·比彻姆，埃奈斯特·安塞美，弗雷德里克·斯托克和里奥波德·斯托克夫斯基，他们从老前辈身上寻求到独立的演绎风格。埃德华·科罗纳（1838-1910年）据说是19世纪第一位享有录音盛名的指挥家，但他1907年的录音从没有转制成LP或CD唱片。
浪漫主义指挥家中唯一留下录音的大师是阿图尔·尼基施（1855-1922年），他以管弦乐队亮丽的声音和自由奔放的演绎而著名。尼基施最杰出的录音是贝多芬的《第五交响曲》（1913年），因为一些片断和单乐章常常被删掉，尼基施的录音是第二个演奏了完整作品的版本。除了它的历史价值，这里的演奏还展现了极好的乐句划分、强弱控制和平衡的保持，也体现出尼基施在尊重作品结构布局基础上追求理想的能力。1914年录制的李斯特的《第一匈牙利狂想曲》极具宏大的气势，也是尼基施才华横溢的印证。尼基施的作品收录在Symposium 1087/8中，它们克服了技术上的局限，是我们很少能听到的个性鲜明的演绎。
威廉·富特文格勒（1886-1954年）很崇拜尼基施，他是尼基施去世后的继任者。尽管富特文格勒的录音有些冷漠，但他的音乐会也象尼基施一样掀起狂热的情绪。倾听富特文格勒演绎的贝多芬《第九交响曲》（Music & Arts CD 653），布鲁克纳《第九交响曲》（Music & Arts CD 730）和布拉姆斯的交响曲（Music & Arts CD 941和Virtuoso 2699072），我们体验着他那富有19 世纪风格的全身心投入与不同于今日的音乐诠释。
19世纪末另一位具有极大影响力的指挥家是古斯塔夫·马勒，他在1911年去世，没有留下任何管弦乐作品的录音来展示他的指挥艺术，但他在1905年录制过钢琴作品，现在收录在Golden Legacy CD101中，所幸的是由于使用新的Welte-Mignon制作，从而保留了演奏的力度和表现。虽然钢琴演奏远远不能与管弦乐相比，但我们能从中体味出马勒在指挥台上久负盛名的强烈感染力。
马勒的演绎风格在他的弟子身上得以展现。布鲁诺·瓦尔特生活在立体声的时代，他为Columbia公司录制了许多充满人文色彩、亲切生动的录音。20世纪30年代末，他录制了马勒的最后一部交响曲和声乐套曲《大地之歌》（EMI CD CDH 7 63029 2和Pearl CD 9413），这也是马勒去世后由他首演的作品。奥斯卡·弗雷德1924年录制的马勒《第二交响曲》（Philips CD426 108 2）激情荡漾，还有威廉·门格尔伯格1940年在音乐会上成功演奏的《第四交响曲》（Philips CD 426 108 2）。这些富有个性的演绎都体现着马勒的指挥风格和艺术理念。
约阿希姆的馈赠
约阿希姆是19世纪的小提琴家，他与门德尔松、舒曼、李斯特和布拉姆斯等作曲家都是好朋友，也是他们作品最好的诠释者，布拉姆斯、布鲁赫和德沃夏克还把自己的小提琴协奏曲题献给他。自1844年他的演奏生涯开始起，数十年间他鼓励并教授了几乎当时所有的小提琴大师。约阿希姆奠定了那个时代的小提琴演奏传统。
1903年，约阿希姆在自己的非凡生命即将结束之时，录制了五首作品，其中有他自己的一首小品，两首巴赫无伴奏作品和两首布拉姆斯的《匈牙利舞曲》，收录在Opal 9851中。第一次倾听这些录音，给人的印象不是很好，音准不理想，运弓拖沓，节奏不稳定，音质粗糙，好像这位老人已经控制不了他的乐器，他往日的高超技艺已经风光不再，当然也还有简陋的录音设备带来的损害。但事实并非如此，所谓的“失常”演奏，是由于我们习惯了用20世纪的与乐谱完全一致、音符绝对精确的现代耳朵来倾听他的演奏。
这个问题也是我们欣赏所有古老的音响资料要面对的一个挑战，这是我们当代人未知的演奏风格。每一个音符都是激情的迸发，每一个动作都是音乐内涵的表达。约阿希姆并没有升高或降低某个音符，也没有过分强调旋律的流动或者是改变和弦的音响，他流畅的指法使乐句中的单个音符无法显现出来，他的节奏富有动力感且充满活力，从而掩饰了速度的真实变化，还有他的运弓，总是在第一拍的下弓用力地砍下去，发出撕裂声，而后逐渐减弱。听了这个令人惊骇的演奏，正统艺术家们都会为如此自由热情地演奏浪漫时期的作品而感到困惑。
音乐家能够改变乐谱上的音符吗？约阿希姆无疑会坚持说，这样做不仅是正确的，而且是与作曲家合作的真正艺术家的职责。对于音乐表现来说，乐谱永远是起步的开始，而不是终止线。
把乐谱上的音乐看成是作曲家意图的完整记录，这完全是20世纪的概念。早先的作曲家都知道，当时的演奏家能够在写出来的冷冰冰的音符中感受到活力，而没有必要在乐谱上为训练有素的音乐家标出什么。托斯卡尼尼在解决音乐问题时总是参考乐谱，但他宣称，真正的音乐家必须在音符间阅读。
我们所拥有的现代概念使我们忘记了音乐演奏中自由演绎的至关重要性。我们希望布鲁斯、爵士乐和流行音乐的艺术家们能够在他们所演奏的作品中进行再创作，期待着听到罗伯特·约翰逊同一首歌的演唱每一次都有所不同，也接受鲍勃·迪伦在他早期作品上的不断开拓；我们赞赏路易斯·阿姆斯特朗和他的后人们对音乐旋律、和声与音乐织体的创造性改编，我们欢迎艾尔夫斯和“太阳”邦把古老的乡村音乐改变成乡村摇滚乐。但如果是一位现代的正统音乐家在乐谱上改变一个记号，他都会受到许多指责。
这样的事情看起来有些可笑。前几个世纪的所有伟大的古典音乐演奏家都为他们即兴表演的技艺而感到骄傲。19世纪早期的音乐会常常是观众给一个片断，而让演奏家即兴发挥。据说贝多芬的g小调钢琴幻想曲Op。77就是他在音乐会上即兴演奏的现场音乐速记。当时的独奏家都被期待着在他所演奏的协奏曲中演奏自己创作的华彩乐段。
与这些历史标准相比，20世纪的几个叛逆者的做法似乎太温和了。富特文格勒的极限速度，斯托克夫斯基早期电子录音中的过分低音，格伦·古尔德演奏贝多芬《月光奏鸣曲》时的疾驰狂奔，伯恩斯坦几近呆滞的柔板，以及埃莫森·雷克和帕尔默在姆格合成器上对古典音乐的改编，作为能接受的现代音乐体验，这些只是很普通的错误。
爱迪生认为，留声机的真正价值在于它的娱乐性。当约阿希姆的同时代人退出了历史舞台，他的不朽成就却铭刻在了古老的录音中。伴着20世纪的晨曦，他勇敢地站在录音机前，把时代的精华浓缩在录音中。这份极为珍贵的遗产，远远超越文字和回忆，把那个时代最伟大艺术家的见解直接展现在我们面前。
当学者、演奏家、评论家和观众们在为演奏古典音乐的“适当”方式争论不休时，约阿希姆的录音比任何学术讨论和文字解说都更有价值。它是对同时代其他幸存下来的录音所呈现出的令人困惑的不同风格的最好证明，为我们打开了一扇理解古典音乐或者是所有过去保留下来的音乐的至关重要的大门。
更为重要的是，约阿西姆的录音还为我们提供了通向未来的钥匙。它所告诉我们的也正是我们需要知道的对音乐本质的理解：任何源自信仰、才智和热情的音乐演奏都是“正确的”。
没有比这个录音更为重要的了。
够长的！
兄弟 你终于出现了
赞！！！
VERYGOOD!
EMI参考系列全是78转唱片转录的.
看园主的东西就是长见知识。
又上了一课
果然是古董啊，象历史故事一样耐看
